Di Vilma Bieniek
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Vilma Bieniek – Lavori sia in ambito artistico che clinico. Quando hai capito che la recitazione poteva anche essere una forma di cura, non solo per il pubblico, ma anche per chi la crea?
Maíra de Aviz – Qualcosa è cambiato profondamente nella mia vita fin dal mio primo contatto con il palcoscenico, ancora durante l’infanzia, grazie ai progetti artistici di musica e teatro offerti dalla scuola che frequentavo. Me ne sono resa conto attraverso la mia esperienza diretta dello stare in scena e attraverso lo sguardo degli insegnanti, che notarono come iniziare a cantare e a recitare avesse trasformato qualcosa in quella bambina assolutamente timida e senza voce che ero. Ricordo che, intorno ai dieci anni, rimasi affascinata da quello spazio magico, così diverso dall’aula scolastica formale: un luogo in cui tutti creavano qualcosa insieme, si divertivano, con i piedi per terra e guardandosi negli occhi. Dopo l’esperienza con la musica brasiliana arrivò il teatro, e ricordo la nitida sensazione di estasi quando trovai il coraggio di chiedere una parte in uno spettacolo: fu la prima volta in cui mi posi come soggetto del mio stesso desiderio di stare in scena come attrice. A quattordici anni interpretai un personaggio protagonista a teatro, esperienza che consolidò la mia passione per questo mestiere e suscitò grande incanto nel pubblico. Da allora non ho mai smesso di recitare. Oggi mi rendo conto che quella bambina che amava giocare da sola inventando storie ha trovato nelle arti sceniche un luogo di condivisione con persone che avevano gli stessi desideri. Non solo mi divertivo moltissimo nel far ridere ed emozionare il pubblico, ma ho anche compreso che recitare mi espandeva come essere umano, nella misura in cui, a ogni spettacolo, scoprivo sempre qualcosa di nuovo su me stessa e sul mondo che mi circonda. Ho scoperto potenzialità dentro di me che non conoscevo, ho iniziato a esprimermi in altri modi e a gestire meglio le emozioni. Nei momenti in cui stavo vivendo lutti o periodi di maggiori difficoltà personali, il teatro era uno spazio in cui mi sentivo realmente accolta, perché potevo essere chiunque desiderassi ed anche giocare a essere altri personaggi. L’atto di creare è profondamente terapeutico, perché è un atto di simbolizzazione. Guardare all’inconscio significa prendersi cura di sé e anche dell’altro.
Vilma Bieniek – Nel tuo lavoro come attrice, il corpo sembra occupare un posto centrale. Come percepisci il corpo in scena: come strumento estetico, come territorio della memoria o come spazio di elaborazione psichica?
Maíra de Aviz – Il corpo è lo strumento di lavoro dell’attore. È attraverso di esso che esploriamo diversi modi di stare al mondo e che ci rendiamo presenti davanti allo spettatore, sia sul palcoscenico sia davanti alla macchina da presa. Questa consapevolezza corporea è fondamentale: è la base per essere vivi in scena.Ogni movimento, anche il più semplice — come respirare, camminare, parlare — racconta memorie che sono inscritte nel corpo di ciascuno e che portano con sé una storia unica. Ho iniziato a osservare questo aspetto molto presto nella mia vita, attraverso l’esperienza con la musica, il teatro, la danza da sala e, successivamente, il cinema. Il fatto di aver avuto, nel mio percorso, una vasta esperienza con la cultura popolare brasiliana e latinoamericana è stato anch’esso fondamentale per trasformare un corpo che era fortemente represso dalla cultura eurocentrica cristiana in un corpo più libero. La mescolanza delle culture afro-indigene presenti in Brasile contribuisce enormemente in questo senso e ci dona una pulsazione diversa, libera dal senso di colpa, più gioiosa e più vitale. Uno dei grandi meriti di Reich, come psicoanalista, è stato quello di notare che l’inconscio risiede nel corpo e si manifesta molto prima della parola. Il corpo non mente: se lo osserviamo con attenzione, possiamo scoprire molto su noi stessi. Studiare il corpo da questa prospettiva arricchisce profondamente i miei processi creativi come attrice ed è, di norma, il mio punto di partenza nella creazione di un personaggio. Muovere il corpo fa parte della mia preparazione quotidiana di base per il mestiere, poiché scioglie le tensioni e mi mette in uno stato di prontezza al lavoro. Mi piace anche utilizzare alcune tecniche della Bioenergetica, che mi aiutano molto a condurmi verso determinati stati emotivi, per poi poterli indirizzare a specifiche scene. Questo aiuta inoltre a trovare il corpo del personaggio, che è diverso dal mio e che produrrà un diverso impatto estetico nello spettacolo o nel film su cui sto lavorando.
Vilma Bieniek – L’ascolto è un elemento fondamentale della psicologia. Questo ascolto attraversa il tuo processo creativo? In che modo ascoltare — te stessa, l’altro, il silenzio — influisce sulla costruzione di un personaggio?
Maíra de Aviz – L’ascolto è la base di tutto, è fondamentale. È un esercizio autentico di disponibilità a conoscere l’altro, difficilissimo da sostenere, soprattutto oggi, in una società contemporanea segnata dall’individualismo e dalla necessità della performance. È impossibile ascoltare gli altri senza prima fare l’esercizio di ascoltare se stessi. E qui parlo di un atto d’amore: di una curiosità reale verso chi sono, verso la mia storia, e verso questo altro, diverso da me, che ha un’altra storia e un altro modo di guardare il mondo. Sono sempre stata inquieta, curiosa. Trovo affascinante la complessità umana. Ogni volta che scopro qualcosa, emergono nuove domande, e così continuo sempre in movimento. Durante la mia formazione in Psicologia, ho lavorato con politiche pubbliche di protezione dell’infanzia e dell’adolescenza, in ospedali psichiatrici e nell’ambito giuridico della famiglia. Queste esperienze, sommate ai miei quindici anni di pratica clinica nell’ascolto di persone in profonda sofferenza psichica, mi hanno fornito un bagaglio che mi espande come essere umano. Di conseguenza, porto tutto questo anche nel lavoro artistico, perché queste esperienze sono impresse in me, anche a livello inconscio. Come ho già detto, i miei processi di creazione di un personaggio iniziano sempre dal corpo, dall’intuizione, da qualcosa che non è razionale. Questa cesellatura avviene in modo naturale: emergono nuove caratteristiche e, poco a poco, le porto sempre più alla coscienza. In questo modo, credo di riuscire a offrire al personaggio strati più profondi.
Vilma Bieniek – Viviamo un tempo di eccesso di immagini, discorsi e stimoli. Che tipo di esperienza pensi che il teatro e il cinema possano ancora offrire come contrappunto a questo rumore?
Maíra de Aviz – Già, viviamo in un tempo di grande accelerazione. Osservo questo fenomeno manifestarsi con chiarezza nei sintomi contemporanei che emergono nella mia pratica clinica e che colpiscono soprattutto la generazione cresciuta con Internet, i più giovani. Sono sempre più ansiosi, con grandi difficoltà a tollerare le frustrazioni, a concentrarsi per un certo tempo su un’unica attività, a fermarsi, a staccarsi dagli schermi.Ritengo che questa sia una grande sfida: avvicinarsi a questo pubblico in modo da connettersi con esso e catturarne l’attenzione, oggi così dispersa. Ciò richiederà una grande capacità di ascolto da parte degli artisti contemporanei. L’arte è certamente una delle migliori soluzioni per placare questa ansia, perché non opera secondo un tempo logico: offre un altro modo di vivere l’esperienza, che richiede la presenza nel qui e ora. Il teatro può essere molto potente in questo senso, perché include ancora l’esperienza dello scambio umano reale, dal vivo, portando con sé elementi sensoriali. Il fatto che gli schermi facciano parte, quasi come un’estensione del corpo umano nell’attualità, apre all’audiovisivo nuove possibilità di comunicazione e uno spazio di grande prossimità con il pubblico. Spetta alla nostra creatività riuscire ad avvicinarci e a sostenere questi nuovi legami. Sento che l’arte sarà sempre più necessaria. Abbiamo la soluzione nelle nostre mani, reimparando nuovi modi di fare all’interno di un nuovo paradigma: quello della tecnologia.
Vilma Bieniek – In clinica, la cura passa attraverso il tempo, la presenza e la fiducia. Questi stessi elementi sono possibili nel processo artistico? Come gestisci il tempo e la vulnerabilità nel lavoro di attrice?
Maíra de Aviz – Credo che siano gli stessi elementi a sostenere un’immersione profonda nell’inconscio umano, sia nel processo psicoanalitico sia nella creazione di un’opera artistica. Offrire uno spazio iniziale di accoglienza è fondamentale affinché si stabilisca una relazione di fiducia, sia tra analista e analizzando, sia tra regista e attore. In queste relazioni si manifesta un elemento specifico, la transfert, ed è a partire da lì che l’inconscio emerge. Ritengo che il tempo necessario per costruire questo legame di fiducia faccia tutta la differenza nel processo e nel risultato, e che possa variare in base al tempo interno di ciascuno. Sostenere questo legame determinerà se l’analizzando o l’attore sarà disposto a rinunciare alle proprie resistenze per immergersi più in profondità. Sono un’attrice che ama rischiare in territori sconosciuti, li cerco, perché la sfida e le nuove esperienze mi stimolano. Ritengo però fondamentale sentirmi al sicuro per potermi lanciare in questo abisso. Essere vulnerabili è un atto di estremo coraggio e va affrontato con grande cura. Mi piace molto avere tempo per la preparazione: più tempo ho, più riesco ad approfondire il personaggio e a costruire legami duraturi con i partner di scena e con la troupe. Provengo dal teatro di gruppo, da una formazione che privilegia il collettivo e il processo democratico; per questo sono abituata anche a processi artigianali, in cui c’è tempo per la sperimentazione scenica. Ho già partecipato a progetti cinematografici con una dinamica simile, di costruzione collettiva, che permettono di creare anche attraverso l’improvvisazione, dove l’attore è co-creatore, e ne sono rimasta positivamente sorpresa dal risultato. Un’esperienza completamente diversa è quella dei progetti con una dinamica industriale, come in televisione, dove non c’è molto tempo per la preparazione, si girano molte scene al giorno e gli attori sono dei veri atleti. In questi casi, ritengo che sia l’attore a dover trovare autonomamente un tempo precedente per preparare il proprio corpo e la propria voce, per arrivare a uno stato di prontezza e di costante disponibilità alla sfida che emergerà, poiché il progetto non offrirà molto tempo di preparazione. Allo stesso tempo, come abbiamo già osservato, tutta l’esperienza dell’attore è inscritta nel suo corpo e nel suo inconscio, ed è questo bagaglio che porta con sé in ogni nuovo lavoro. Sento di trovarmi in un momento molto interessante della mia carriera, con una base solida per affrontare sfide più complesse. Trovare questo stato di vulnerabilità senza perdere il proprio asse interiore è, a mio avviso, la sfida più grande di ogni attore. Ed è anche ciò che ci fa assistere ad attori in stato di grazia, a interpretazioni così luminose e potenti, sui palcoscenici e sugli schermi, da diventare indimenticabili.
Vilma Bieniek – Hai mai sentito che alcuni lavori artistici abbiano prodotto effetti di elaborazione emotiva simili a quelli che emergono in un processo terapeutico? Come percepisci questa vicinanza — e anche i limiti — tra arte e clinica?
Maíra de Aviz – Quando riusciamo ad accedere all’inconscio e a lasciarlo fluire, si manifesta una funzione molto simile nelle due esperienze, sia nella creazione artistica sia nel processo analitico. Il fatto che il mio contatto con l’arte sia iniziato già nell’infanzia mi ha permesso di vivere questa esperienza molto prima di intraprendere un percorso di psicoanalisi — iniziato in età adulta, intorno ai diciannove anni. La creazione artistica è sempre stata ciò a cui ricorrevo nei periodi di conflitto emotivo. Questo è diventato molto chiaro durante l’adolescenza: ho attraversato una fase in cui scrivevo quotidianamente su un diario personale e oggi comprendo che fosse un modo per esprimermi e tentare di dare forma a un mondo interiore allora turbato. Andare in sala prove è sempre stato per me profondamente terapeutico: potevo passarci l’intera giornata, divertirmi, lasciare le preoccupazioni fuori e permettermi di vivere esperienze autentiche. Ci si concede il gioco, il ludico — non a caso, in inglese, recitare si dice to play. Le lezioni, sia di musica, teatro, danza, sia di recitazione per il cinema e la televisione, sono sempre state spazi in cui ho vissuto vere e proprie catarsi, uscendone poi più leggera. L’atto creativo produce sempre un sapere. Avverto una forte vicinanza tra arte e clinica, soprattutto per via della dimensione simbolica. Entrambe si confrontano con ciò che è difficile da nominare, con ciò che sfugge, e sono luoghi in cui questi affetti trovano forma e diventano, così, un po’ più abitabili. La clinica, tuttavia, presuppone un setting specifico: continuità, gestione della sofferenza dell’altro da parte di un professionista formato (il cosiddetto trittico: analisi personale, supervisione e teoria), con un ascolto allenato a gestire determinati attraversamenti. L’arte può aprire questioni, spostare, persino destabilizzare, senza offrire necessariamente un sostegno successivo. E questo fa parte della sua potenza, ma anche del suo rischio. L’arte può produrre effetti terapeutici, ma non sostituisce il processo psicoanalitico. Ciò che fa, in modo singolare, è creare fessure, generare un risveglio a partire da qualcosa che tocca lo spettatore e anche l’artista. Ciò che ciascuno farà di questa esperienza in seguito appartiene già a un altro ambito.
Vilma Bieniek – Ci sono personaggi o esperienze sceniche che ti hanno trasformata in modo duraturo? In che senso l’arte può essere uno spazio legittimo di trasformazione soggettiva?
Maíra de Aviz – Posso dire di portare dentro di me tutti i personaggi che ho interpretato, e che tutti mi hanno trasformata a qualche livello di profondità. È persino curioso poter elencare le esperienze più felici, quelle più sfidanti o anche personaggi secondari all’interno delle trame. Ritengo che non esistano “personaggi piccoli” e mi dedico a ciascuno di essi con lo stesso entusiasmo. Da personaggi come la Balia del Re in Rumpelstiltskin, che brillò più della protagonista dello spettacolo e mi fece scoprire che posso fare anche commedia, a Leninha di Bonequinha-de-Pano, che mi aiutò ad attraversare l’adolescenza, quel periodo di trasformazione da ragazza a donna. Ho interpretato anche, ancora molto giovane, personaggi che avevano una funzione importante nel rivelare problemi sociali e politici della nostra società. Uno di questi mi ha sfidata a entrare in contatto con la povertà e con la violenza estrema, a spogliarmi della bellezza; così come Adiantada in Aurora da Minha Vida, che mi ha fatto vivere il periodo della repressione della dittatura militare in Brasile; ed Êliena in Pequenos Burgueses, che ha gettato luce sulla borghesia decadente. Ho vissuto personaggi che mi hanno aiutata a dare potere al mio femminile e ad ampliare la mia coscienza della sessualità, come in uno spettacolo che rendeva omaggio a João Gilberto Noll. Nella tragedia di Elettra ho affrontato drammi familiari; più tardi, in Bônus Demônia, la mitologia greca e la sua complessità di personaggi. Le drammaturgie contemporanee al Teatro Guaíra, come Gafanhoto e Os Pássaros, mi hanno offerto esperienze di linguaggio sempre più vicine alla psicoanalisi, come ho percepito anche confrontandomi con l’universo stimolante di Nelson Rodrigues. La straordinaria Clarice Lispector mi ha attraversata completamente in A Hora da Estrela — e ancora oggi mi ispira il desiderio di interpretarla nella sua biografia cinematografica, in un progetto autoriale per il cinema. A proposito di cinema: il cinema mi ha portata ad affrontare la violenza contro le donne nel cortometraggio Inferno Colorido e mi permetterà presto, attraverso la protagonista Rita del romanzo Rita no Pomar, che sarà adattato per il grande schermo, di “uccidere” il patriarcato in modo perverso. Riconosco che ci sono personaggi ed esperienze sceniche che hanno davvero trasformato qualcosa di molto profondo in me, perché mi hanno richiesto un lavoro verticale, di confronto con aspetti di me stessa che fino ad allora non conoscevo — e che forse mi spaventava persino scoprire. Me ne accorgevo quando emergeva una difficoltà nel comporre il personaggio o persino nel congedarmi da lui. Nel nostro inconscio c’è un po’ di tutto, e per quanto lontano possa sembrare, finiamo per trovare somiglianze anche nei tratti che più condanniamo. Creare personaggi è un lavoro di attraversamenti molto intenso: bisogna spogliarsi, portare in scena nuovi tratti e poi, alla fine del percorso, salutarli. Questi spostamenti non si dissolvono completamente quando il lavoro termina — riorientano l’ascolto che abbiamo di noi stessi e dell’altro. Posso dire che alcuni tratti dei personaggi continuavano a risuonare in me, come se ne rubassi un po’ per la mia vita. Alcune esperienze sceniche mi hanno trasformata anche per l’intensità della convivenza di squadra. Provare, ripetere, sbagliare, sostenere le fragilità collettivamente crea un tipo di etica sensibile che non è comune in altri ambiti. È un’esperienza dell’affetto e del rischio che si incorpora quasi senza accorgersene. Credo che l’arte sia uno spazio legittimo di trasformazione soggettiva perché opera attraverso la sperimentazione. Permette di accedere a contraddizioni, ambivalenze e desideri senza esigere una coerenza immediata. A differenza di altri dispositivi sociali, l’arte può sostenere il non-sapere, l’incompiuto, ciò che non ha ancora trovato un linguaggio. Essa amplia le possibilità dell’esistenza.
Vilma Bieniek – Oggi si parla molto di salute mentale, spesso in modo superficiale. Come vedi il ruolo dell’arte in questo dibattito — soprattutto quando non offre risposte, ma sostiene domande?
Maíra de Aviz – Guardo a questo dibattito con una certa cautela. Parlare di salute mentale è diventato, in molti contesti, un linguaggio di classificazione superficiale della sofferenza, alla velocità di Internet, fatto di protocolli. Dare un nome ai sintomi è importante, ma rappresenta solo una parte del processo e non sostituisce il complesso lavoro di orientamento del trattamento da parte di un professionista della salute mentale qualificato che segue il caso. Il problema più grande che intravedo in questa banalizzazione del tema è l’appiattimento di esperienze profondamente singolari di ogni soggetto, finendo così per generare ulteriore sofferenza proprio in chi sta già cercando risposte. In questo scenario, l’arte può occupare una posizione di controcanto. L’arte non si propone di risolvere il malessere e, forse proprio per questo, è così necessaria. Essa sostiene le domande senza l’urgenza di chiuderle, crea spazi in cui l’ambiguità non è un problema da eliminare. Invece di offrire risposte chiare, l’arte complessifica — e questo, per me, è un modo etico di rapportarsi alla salute mentale. Quando un’opera rifiuta la pedagogia del “andrà tutto bene” o della semplificazione della superazione, legittima aspetti che spesso vengono silenziati: il dubbio, la contraddizione, la non linearità del desiderio. Questo può essere profondamente accogliente. Abbiamo sperimentato di recente, durante il terribile periodo della pandemia di Covid-19, quanto l’arte sia stata fondamentale per aiutare le persone a sopportare l’isolamento sociale e a connettersi con qualcosa che desse loro un senso. C’è stato anche chi ha trasformato quel momento in una forza generativa per le proprie creazioni. È un cliché dirlo, ma sì: l’arte salva.
Vilma Bieniek – Per te, la cura implica necessariamente un’etica. Esiste un’etica della recitazione? A cosa non rinunci quando scegli un progetto artistico?
Maíra de Aviz – Per me non esiste recitazione — nel senso più ampio del fare artistico — che non attraversi relazioni: con le altre persone, con i contesti, con i territori simbolici e materiali che tocchiamo. Prendersi cura significa riconoscere queste relazioni e assumersene la responsabilità. Credo, sì, che esista un’etica della recitazione. Essa si manifesta nelle scelte: nel modo in cui ascolto, in come occupo uno spazio, in come condivido l’autorialità e in come affronto le asimmetrie di potere che attraversano qualsiasi processo creativo. L’etica non è un codice fisso, ma una pratica costante di attenzione e di revisione di sé, basata sulle proprie esperienze. Quando scelgo un progetto artistico, non rinuncio alla coerenza tra discorso e pratica. Ho bisogno di sentire che esiste spazio per il dialogo e per il tempo dell’altro. Non mi interessa un lavoro che violenti corpi, storie o affetti in nome di un risultato. Non rinuncio neppure all’ascolto — che per me è una forma radicale di cura e di creazione. Il progetto ha senso solo quando riesco a sostenervi una presenza piena: critica, sensibile e responsabile.
Vilma Bieniek – Se l’arte può prendersi cura, cosa non può — o non deve — fare? Dove tracci questo limite?
Maíra de Aviz – L’arte non deve autorizzarsi a tutto. Esiste un limite etico quando il gesto artistico inizia a strumentalizzare persone, dolori o contesti senza ascolto, senza consenso e senza responsabilità per le conseguenze che produce. Per me, l’arte non deve rafforzare violenze, silenziare voci né nutrirsi dell’esposizione dell’altro come materia prima usa e getta. Non deve romanticizzare la sofferenza né fondarsi sull’idea che l’impatto giustifichi qualsiasi mezzo. Il rischio fa parte della creazione, ma il rischio non è sinonimo di negligenza. Il limite emerge proprio nella relazione. Quando il lavoro smette di essere uno spazio di incontro — anche se conflittuale — e si trasforma in imposizione, estrazione o abuso di potere, qualcosa si rompe e finisce per compromettere anche il risultato. Traccio questo limite nell’ascolto continuo: del processo, delle persone coinvolte, di me stessa. Se non c’è possibilità di revisione, di cura dei corpi e degli affetti implicati, allora quel lavoro non mi interessa più. Il dialogo è fondamentale.
Maíra de Aviz ha iniziato come attrice nella scena teatrale di Curitiba, distinguendosi attraverso la FALA Cia/SESI – Teatro Guaíra, con un focus sulle drammaturgie contemporanee. È cresciuta assistendo e partecipando a spettacoli nei Festival di Curitiba, punto di riferimento nel panorama brasiliano, formandosi presso lo Spazio Culturale Pé no Palco.Il suo ultimo lavoro teatrale è stato “Bônus Demônia”, con la regia di Hamilton Vaz Pereira. La sua formazione artistica è stata permeata fin dall’infanzia dalla cultura popolare brasiliana e latinoamericana. Ha partecipato a spettacoli e musical con cori di MPB e, già in adolescenza, faceva parte di una compagnia teatrale che affrontava temi sociali attraverso processi di creazione collettiva.Ha avuto un ampio contatto con il ballo da sala, entrando successivamente nella compagnia Tango & Paixão. Ha approfondito gli studi di recitazione per cinema e TV con rinomati professionisti dell’audiovisivo e attualmente segue un training costante con Eduardo Milewicz.A breve interpreterà Rita, protagonista del romanzo “Rita no Pomar”, che verrà adattato per il cinema sotto la regia di Marcus Vilar. Sviluppa inoltre un progetto autoriale sulla cinebiografia di Clarice Lispector, in collaborazione con la sceneggiatrice Flávia Orlando e con la produzione di Tuinho Schwartz.È apparsa in streaming in “Irmãos Freitas” (Sérgio Machado, Walter Salles) e in TV in “Chiquititas” (SBT). Al cinema ha partecipato a “Ensaio Sobre o Fracasso” (Cristiano Burlan), “Eike, Tudo ou Nada” (Andradina Azevedo), al film canadese “Freer” (Luciano Giordana) e ha interpretato il ruolo principale nei cortometraggi “Inferno Colorido” (Kinoforum) e “Feliz Aniversário” (Felipe Aufiero).È laureata in Psicologia (PUC/PR e Università di Porto, Portogallo), specializzata in Psicoanalisi (PUC Rio) e in Psicologia Corporea (Centro Reichiano). Si dedica all’attività clinica dal 2011, con esperienza in contesti istituzionali di salute mentale e nelle politiche pubbliche di protezione dell’infanzia e della gioventù. Considera che tutte queste esperienze le abbiano fornito un ascolto sensibile e impegnato verso le complessità della sofferenza umana, attraversando e arricchendo in modo singolare ogni suo nuovo percorso artistico.